Desde el punto de vista cronológico, a la música de este periodo se le llama música contemporánea y tiene su origen en los movimientos nacionalistas del último Romanticismo que darán lugar a otras tendencias, en cierto modo continuistas, como el Impresionismo o el Expresionismo.

    CONTEXTO HISTÓRICO:

    El siglo XX es un periodo de cambios acelerados. El desarrollo de las comunicaciones y de las tecnologías van a influir en gran medida durante el transcurso de este periodo. Sin embargo, los problemas socioeconómicos y políticos derivados de la Revolución Industrial culminan a principios de siglo con la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y la Revolución Rusa (1917) y más tarde con la Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Estos hechos sacuden hasta lo más íntimo las conciencias de la población. El panorama europeo es desolador ya que las guerras trajeron millones de muertos y muchas personas se vieron obligadas a abandonar sus países.

    Sin embargo, nada más terminar 2º Guerra Mundial se inicia una reconstrucción que abarcará todos los ámbitos: político, económico, social, ético y, por supuesto, artístico. El auge de la tecnología, los medios de transporte y las telecomunicaciones convierten a nuestro planeta en una aldea global que conoce casi con total inmediatez lo que ocurre en el mundo entero.

    CONTEXTO CULTURAL:

    El siglo XX es un periodo en el que los cambios y las novedades en el mundo del arte se van a dar con gran velocidad. Nunca antes, en la historia se había visto proliferar tal cantidad de escuelas, movimientos y novedades  como ahora. Los cambios y las tendencias se suceden de forma acelerada. Estamos ante una época de replanteamiento estético y formal del arte. Todos los movimientos que surjan tendrán un nexo común: el deseo de ruptura con el pasado.

    El contacto de la sociedad europea con culturas lejanas, propiciado por el avance de las comunicaciones y las exposiciones universales aportará nuevos horizontes a la creación artística. Desde finales del siglo XIX la pintura asume un liderazgo indiscutible en el terreno artístico, ya que encabezará todos los cambios y vanguardias que vayan surgiendo en el transcurso del siglo XX.

    CONTEXTO MUSICAL:

    El mundo de la música también se verá influido por ese cambio social y cultural. La música, cuyos recursos tradicionales habían sido explotados hasta la saciedad por los autores románticos, busca abrirse nuevos caminos y romper con el pasado. Gran cantidad de estilos vanguardistas musicales se irán yuxtaponiendo en el transcurso del siglo en busca de la novedad y la experimentación, a través de un cambio estético que dará lugar a las composiciones más variopintas.

    La aparición de nuevos géneros como el jazz o el rock y sus derivados arrebatará a la música culta el protagonismo, casi exclusivo, del que había gozado durante siglos. Poco a poco se irá convirtiendo en una música de minorías, ajena al éxito y a los intereses comerciales. En la segunda mitad de siglo, la llegada de la tecnología alterará la forma de componer e interpretar la música. Por primera vez en la historia los medios electrónicos e informáticos tendrán una función importante dentro del fenómeno musical.

 Aunque es complicado establecer unas características generales al abordar la multitud de corrientes que se van a dar en este siglo, cada una de ellas con sus propios fundamentos, vamos a destacar algunas ideas generales:

• La pérdida de unidad estilística y técnica se hace evidente ya que no hay un lenguaje y un tipo de expresión únicos, sino una pluralidad de movimientos. Cada compositor busca su propio lenguaje musical para expresarse.

• La ruptura con el pasado se manifiesta en el progresivo abandono del lenguaje tonal, que parece haber llegado a su fin. El ritmo adquiere gran protagonismo.

• Búsqueda de la novedad, ninguna obra puede parecerse a otra y para ello hay que experimentar con todo lo que se tenga a mano. Cualquier objeto puede ser capaz de producir música.

• El compositor no busca la belleza de melodías, sino llamar la atención del oyente, por lo tanto nos encontraremos ante piezas extrañas que no tienen nada que ver con la música que se había realizado hasta entonces.

• En algunas corrientes, sobre todo en la 2º mitad de siglo, el compositor acompaña su obra con textos explicativos propios para que la obra se pueda interpretar y entender, ya que a menudo se usan sistemas de notación no convencionales. Además, en esta época, entrarán en juego los avances electrónicos e informáticos.

A comienzos de siglo, los nuevos lenguajes se fueron imponiendo de manera gradual, y con mucha dificultad, en un mundo aún dominado por los últimos grandes compositores del Postromanticismo y del Nacionalismo. Compositores que, a pesar de componer en el umbral del siglo XX, tuvieron una gran influencia posterior.

    La nueva concepción de componer vino de dos ciudades diferentes, que fueron París y Viena. En el primer caso con las aportaciones del Impresionismo de la mano de C. Debussy, que supone un punto de partida para la música de vanguardia; en el segundo con la ruptura  que suponía la música de Arnold Schoenberg y sus discípulos en la Escuela de Viena.

    Hubo otras rupturas, incluso más radicales, como la del Futurismo en Italia, que aunque no tendrán mucha vigencia como corriente estética, influirán en los movimientos que tendrán lugar en la 2ª mitad de este siglo. Otros movimientos, como el Neoclasicismo, intentarán devolver a la música a sus cauces tradicionales.

 El Impresionismo puede considerarse como la primera manifestación contemporánea del siglo XX. En las últimas décadas del Romanticismo, un grupo de pintores franceses se interesaron por el trabajo al aire libre. Un lienzo de Claude Monet titulado "Impresión, sol naciente" será el origen del movimiento impresionista, estilo que adoptarán otros pintores y que más tarde se trasladará al mundo de la música. Se trata de pinturas que plasman paisajes y ambientes difuminados, en las que no se busca la perfección y realismo del cuadro, sino la impresión que produce en los ojos de quien lo observa.

    El impresionismo musical será un movimiento típicamente francés, relacionado con la tendencia pictórica. Posiblemente es la corriente más novedosa y original de todas las que se dan en esta época. El compositor más destacado de este movimiento es Claude Debussy, con obras como "Preludio a la siesta de un fauno" (1894).

    Al igual que la pintura impresionista, la música de Debussy es una música de atmósferas y de sentimientos sutiles, carente de la grandiosidad post-romántica. Las características de esta música son:

• Melodías desdibujadas (igual que en pintura), sin líneas ni cadencias claras, que utilizan escalas modales, pentatónicas, cromáticas o de tonos enteros.

• Armonía libre, con acordes incompletos a los que Debussy  llama flotantes, que toman su valor por su sonoridad, no por su función tonal, para convertirse en líneas y manchas que se desvanecen en el tiempo y el espacio.

• Nuevo concepto de timbre, utilizando los instrumentos de forma individual y no como conjunto orquestal (collage).

• Incorporación de elementos musicales orientales, tanto melódicos o rítmicos como armónicos.

    Uno de los continuadores de la obra impresionista de Claude Debussy será el francés Maurice Ravel, conocido por su obra "El bolero".

El término Expresionismo aparece a partir de 1911 para designar un estilo pictórico en el que, poco a poco forma y color dejan de estar obligados a imitar la realidad. Este movimiento es predominantemente alemán y afectará a la música y literatura, además de a la pintura. Se caracteriza por buscar la expresión del alma del ser humano de forma dura y pesimista. El tema principal del Expresionismo es el hombre y su vivencia interior llena de conflictos y temores, que muestra una realidad distorsionada marcada por el dolor y la angustia.

    La obra "El grito", de Edward Munch, es considerada como la primera manifestación expresionista. En música, el compositor más representativo de esta tendencia es Arnold Schoenberg, que considera la música como medio para expresar la personalidad del hombre. Las principales características del Expresionismo son:

• Búsqueda de lo dramático mediante el uso constante de disonancias que producen una tensión continua, sin momentos de reposo.

• Utilización de un sistema atonal, que rompe con todas las reglas tradicionales de organización melódica y armónica.

• Pérdida del concepto de melodía en favor de un canto recitado (sprechgesang), que tiene como objetivo la expresión violenta y agresiva del texto.

• Normalmente son obras para pequeñas formaciones de cámara, en las que cada instrumento tiene el papel de solista.

    Una de las obras más destacadas de esta corriente es "Pierrot Lunaire", ciclo de 21 melodramas compuestos sobre poemas de Albert Giraud.

  Este movimiento se funde con la corriente expresionista. Durante la primera década del siglo XX, los excesos de los post-románticos en el plano de la armonía, hicieron que poco a poco la tonalidad, que hasta entonces organizaba y era la base de las obras musicales, perdiera su papel.

    El Atonalismo nace cuando una serie de compositores, con Arnold Schoenberg a la cabeza, deciden otorgar a la disonancia la misma importancia que a la consonancia y escribir sus obras con una tonalidad concreta. Esto implica que todas las notas tienen el mismo valor, sin jerarquías. De ahí la sensación de que se han perdido los puntos de equilibrio y de orientación, por lo que para nuestros oídos, la música atonalista suena desafinada.

    Entre las obras en las que Schoenberg recurre al Atonalismo, podemos destacar "Cuarteto nº 2" y "La noche transfigurada". Esta ruptura con la tonalidad influiría también en artistas como Richard Strauss, Gustav Mahler, Edgar Varese o Charles Ives, entre otros. Sin embargo, la corriente del Atonalismo como tal tuvo una vida efímera, ya que se trataba de componer sin ningún tipo de normas, sumiendo a la música en una especie de caos.

Los fundamentos de la música dodecafónica fueron elaborados y desarrollados a comienzos del siglo XX por el compositor austríaco Arnold Schoenberg y dos de sus discípulos y amigos: Alban Berg y Anton Webern, que son conocidos en conjunto como Escuela de Viena. Este método fue creado en 1923 y también fue conocido como Serialismo.

    Después del periodo atonal y tras varios años de inactividad, el mismo Schoenberg dio un paso de gigante al inventar un sistema de organización para las obras, que, en cierto modo, vino a cumplir el papel que durante siglos había representado la tonalidad.

    La técnica dodecafónica consistía en definir una serie con las doce notas de la escala cromática (distancia de medio tono entre notas), que podían ordenarse de la forma que el compositor decidiera. Sin embargo, una vez establecido el orden, éste debía mantenerse a lo largo de toda la obra; era precisamente esta serie la que se erigía como la estructuradora de toda la composición. Desaparece, por tanto, la jerarquía entre los grados de la escala, originando una música atonal que podríamos asociar a la pintura abstracta de autores como V. Kandinsky.

    Pronto, los compositores dodecafónicos se dieron cuenta de que una sola serie limitaba enormemente las posibilidades compositivas; por ello, para disponer de un mayor margen de acción, se empezaron a utilizar en la misma obra otras series derivadas de la primera, retrógrada (hacia atrás), invertida (en espejo) o retrógrada invertida.

Es un movimiento estético nacido en Italia en 1909. Se trata de la corriente más radical del siglo XX, y su principal precursor es Tómmaso Marinetti, artista y escritor que tuvo gran repercusión en las artes plásticas. Su incidencia en el terreno musical fue más bien escasa, afectando casi exclusivamente a la obra de los italianos Luigi Russolo y Balilla Pratella.

    El movimiento futurista se basa en la introducción de los ruidos y las máquinas en la música. Los futuristas se inspiran en el ambiente industrial de la sociedad del siglo XX. Buscan enriquecer el sonido y desvincularse del pasado, declarando la guerra a la tradición y a los timbres limitados de los instrumentos convencionales. Russolo, en 1913, publica "El manifiesto de los ruidos", obra en la que se dan a conocer los fundamentos de esta corriente. En este libro, el autor clasifica los instrumentos de la orquesta futurista en seis familias, en las que podemos encontrar gruñidos, silbidos, risas, gritos, golpes... Russolo, fue capaz de crear un instrumento capaz de producir ruidos variados. A este artefacto lo denominó "entonarruidos"

    La corriente futurista, en su sentido más estricto, no duró mucho tiempo, pero su idea de conectar la música con la realidad utilizando los ruidos de la vida moderna, tendrá una gran influencia en muchos compositores contemporáneos y anticipará las técnicas de la música concreta.

    Entre los músicos más influenciados por el Futurismo podemos citar a Edgar Varese, con obras como "Ionization" (primera obra en la historia escrita únicamente para instrumentos de percusión) o Arthur Honegger, con "Pacific 231" (obra que describe el movimiento de una locomotora).

    El Neoclasicismo (nuevo Clasicismo) surge entorno a 1920 como reacción al Post-Romanticismo, el Impresionismo y el Expresionismo. Es quizá el movimiento que menos novedades aporta durante este periodo; supone una vuelta a la claridad formal del Clasicismo, y el rechazo a una concepción expresiva de la música cargada de significados subjetivos.

    Se vuelve al cultivo de las formas y géneros clásicos, buscando una nueva sencillez, ya que aspira a devolver a las obras musicales la comprensibilidad y el placer para el oído. Por esa razón, la mayoría de las obras de este movimiento recuperan la tonalidad clásica.

    Entre los principales representantes de esta tendencia se encuentra el francés Erik Satie y el llamado "Grupo de los Seis", cuyos ideales fueron expuestos en 1918: "basta ya de nubes, olas, ondas y fragancias nocturnas. Necesitamos una música con los pies en la tierra, una música cotidiana,...". Una conocida obra de Satie es la titulada "Gymnopédie nº 1". Otro conocido autor de inspiración neoclásica fue el ucraniano Sergei Prokofiev que compuso obras como "La Sinfonía clásica op. 25" o el ballet "Romeo y Julieta"

    Esta corriente ha tenido continuadores hasta la actualidad.

Herederos de las novedades aportadas en las primeras décadas, durante a segunda mitad de siglo el arte en general y en particular la música siguen las pautas de ruptura con lo establecido marcadas por los autores de las generaciones anteriores.

    Ya ha desaparecido de forma definitiva el lenguaje universal tonal, llegamos en este periodo a la concreción de estilos artísticos mucho más radicales e individualistas, en los que todo es válido para crear una obra de arte, que, muy a menudo, va a sorprender al un público que no está preparado para este tipo de música.

    Por primera vez en la historia de la música los medios electrónicos, que se van desarrollando debido al gran avance de la tecnología, formarán parte de la composición. Los instrumentos tradicionales van dejando su sitio a otros instrumentos de nueva creación, que se congregarán en el laboratorio musical y más tarde en el ordenador.

 El Serialismo Integral es un movimiento que se da a partir de la segunda mitad del siglo XX. Consiste en la aplicación del concepto de serie, introducido por el Dodecafonismo, a todos los parámetros integrantes del sonido (timbre, altura, duración, intensidad...), y no sólo a la altura de las notas.

    Aspira a convertirse en un sistema completo y perfectamente estructurado y racional; sin embargo, el resultado es con frecuencia una música fría, en la que las alturas, duraciones, timbres e intensidades están perfectamente ordenados en series de doce grados cada una.

    La música serial se caracteriza, por tanto, por el minucioso ordenamiento de los parámetros musicales y su alto grado de elaboración previa, ya que el compositor organiza la obra como si las piezas de un puzzle se tratara.

    Entre los compositores más destacados cabe recordar a Oliver Messiaen, con obras como "Modos de valor e intensidad", y a Pierre Boulez, con "El martillo sin dueño" o "Sonata para piano nº 3".

    Pincha aquí para ver una partitura de serialismo integral.

 Hacia mediados del siglo XX surge esta corriente, que se inspira en el Futurismo, ya que utiliza cualquier sonido o ruido sacado de la realidad. El compositor se lanza a la calle grabadora en mano, recogiendo todos los sonidos que cree interesantes; estos sonidos posteriormente se manipulan en un laboratorio musical (se cortan, se pegan, se modifican algunas de sus cualidades...) y se montan en una cinta magnetofónica. El resultado es una composición de música concreta.

    En este tipo de música el papel del intérprete es sustituido por el magnetófono, y el compositor presenta su obra de manera definitiva y objetiva. Por primera vez en la historia la ciencia y los aparatos tecnológicos se usan para la creación de obras musicales.

    Entre los compositores pioneros se encuentran los francese Pierre Schaeffer, que expone sus teorías en "El tratado de los objetos musicales" y Pierre Henry. Algunos de los títulos de las obras de estos artistas son: "Estudio de ruidos", "Sinfonía para un hombre solo", "Variaciones para una puerta y un suspiro" o "El micrófono bien temperado".

Esta corriente surge influenciada por la música concreta. Como hemos visto, esta música se basaba en la grabación de un conjunto de sonidos reales que se manipulaban; sin embargo, en la música electrónica el sonido es creado completamente en un laboratorio, son sonidos que no existen en la realidad, que se crean, se procesan y se graban electrónicamente. Este tipo de música suprime totalmente los intérpretes y las partituras.

    El laboratorio musical es el centro de creación del artista. Aquí el compositor utiliza sintetizadores y otros aparatos electrónicos para generar el sonido.

    Entre los compositores más destacados de este movimiento está: Karl Stockhausen, que desde 1953 dirige el Estudio de Música Electrónica de Colonia (Alemania). Su obra más conocida es "El canto de los adolescentes". Otros autores que seguirán los pasos de Stockhausen son Luciano Berio y Bruno Maderna.

    La música electrónica se unirá a la música concreta, dando lugar a obras cuyo contenido es en parte grabaciones de sonido real y otros creados por medios electrónicos. A esta música se le conoce como Electroacústica, y se convertirá en uno de los procedimientos más empleados por casi todos los compositores del siglo XX.

    La conocida como música Estocástica puede considerarse una fase más del desarrollo de la música electrónica; consiste en la introducción del ordenador en el campo de la composición, que debidamente programado, calcula combinaciones de sonidos y crea obras musicales.

   Movimiento que surge durante los años 60 y que reacciona contra el Serialismo, tratando de introducir en la música una mayor libertad compositiva. Se trata de una música indeterminada, en función del azar y de la libertad de quien la interpreta. El compositor no escribe una obra acabada y cerrada, sino que confía en la creación e independencia del músico para hacer de cada audición una obra única e irrepetible.

    Para lograr esa libertad interpretativa la música aleatoria emplea notaciones muy libres y sugerentes, o textos en los que se invita a la creación. Ejemplo: "toca una nota con la seguridad de que tienes todo el tiempo y el espacio que quieras; cuando la hayas tocado, toca otra nota...".

    Este tipo de música, en ocasiones, también dejará parte de la interpretación en manos del público, que participa activamente en la obra. Otras veces, los sonidos del entorno serán parte integrante de la música.

    El principal precursor de este tipo de música fue el norteamericano John Cage, cuya obra más representativa es "4'33'' para cualquier número y clase de instrumentos", escrita en 1952, y en la que los intérpretes permanecen sentados y en silencio durante cuatro minutos y treinta y tres segundos (tiempo que dura la obra), de manera que son los ruidos de la sala, del público y del exterior los que construyen la pieza.

En las últimas décadas del siglo XX muchos compositores siguen escribiendo obras musicales en busca de lenguajes propios y nuevas formas de expresión; sin embargo, a modo de reacción contra estas corrientes, surgen algunas tendencias que intentan presentar una música más comprensible para el público. Posiblemente, la característica más común a todas ellas sea el abandono de la experimentación y la búsqueda de lenguajes más sencillos y asequibles.

    A continuación presentamos dos de estos estilos:

    MINIMALISMO:

    Se le conoce también con el nombre de Música Repetitiva, y nace en los EEUU a principios de los años 70. Este tipo de música se basa en la creación de sencillos elementos melódicos, que se transforman mínima e insistentemente a lo largo de su desarrollo; es decir, se trata de crear una mínima célula melódica y repetirla constantemente introduciendo un cambio insignificante en cada repetición.

    El principal representante de esta tendencia es Michael Nyman, que crea una obra minimalista que más tarde formará parte de la banda sonora de la película "El piano".

    EL NUEVO ROMANTICISMO:

    Conocido también con el nombre de Nueva Simplicidad. Es una tendencia musical que surge en Alemania en la segunda mitad del siglo XX. Los compositores que pertenecen a esta corriente rehuyen la práctica de la experimentación y de la complejidad que caracteriza las obras de la mayoría de los compositores de vanguardia.

    No dudan, sin embargo, en incorporar elementos nuevos junto con los tradicionales. Destaca en este movimiento el compositor Bernard Herrmann, con obras como "Escena de amor".

Durante el Romanticismo el ballet se había convertido en una arte muy complejo lleno de virtuosismo y acrobacias carentes de contenido. El nuevo ballet del siglo XX huye de esa técnica fría y mecánica para poner la danza al servicio de la expresión, sin someterse a reglas ni academicismos estrictos.

    El gran impulsor de esta reforma fue Sergei Diaghilev, quien pese a no ser ni bailarín ni músico cambió el destino de la danza fundando los "Ballets Rusos" en 1909. Este hombre, contrató a los mejores artistas del momento para llevar a cabo su proyecto. Para él trabajaron diseñadores como L. Bask; pintores como Picasso, Dalí o Miró; compositores como Debussy, Stravinsky, Falla o Satie; bailarines de la talla de T. Karsavina, A. Pavlova o V. Nijisnky; coreógrafos como L. Massine, o Fokine.

    Los primeros éxitos de la compañía fueron fruto de tres ballets de Stravinski titulados "El pájaro de Fuego", "Petrushka" y "La consagración de la primavera". También destacó un ballet del español M. de Falla titulado "El sombrero de tres picos", con decorados de Pablo Picasso.

    La compañía de "Ballets Rusos" se deshizo en 1929 con la muerte de Diaghilev, pero los colaboradores y bailarines que se habían formado en ella se dispersaron y extendieron sus enseñanzas por todo el mundo.

Además de las aportaciones del ballet ruso, se produjo en la misma época, de forma paralela, y por parte de numerosos bailarines, un intento de renovar y modernizar el ballet para hacerlo más acorde con las nuevas tendencias artísticas. Este tipo de danza se caracterizará por el rechazo al espectáculo y a las normas del ballet tradicional, hacia unas formas de movimiento más naturales.

    Entre estos artistas destaca la bailarina Isadora Duncan, que solía bailar desnuda con una simple túnica. Quiso aportar al ballet una espontaneidad y una libertad mayores en la expresión del cuerpo, huyendo de la estereotipada técnica clásica. Este tipo de baile busca la expresión profunda de los sentimientos. El resultado es una nueva concepción del ballet que muestra lo bello y lo feo de la vida, que incorpora el trabajo en el suelo y evita la rigidez de los pasos definidos dando al artista mayor libertad de movimiento, ya que como afirma Cunningham: "Cualquier movimiento puede ser un movimiento de danza".

    Duncan tendrá muchos continuadores como R. V. Laban, M. Graham o M. Cunningham, que darán lugar a lo que conocemos como la danza moderna que se sigue desarrollando hasta la actualidad.

1885-1935 Alemania

    Uno de los compositores más destacados del la escuela del dodecafonismo, alumno junto a Anton Webern de las enseñanzas de Arnold Schoenberg en el experimento atonal. Nació en Austria en el seno de una familia de clase media y fue testigo del sentimiento de fin de siglo en la antigua capital del Imperio austrohúngaro.

    Su vocación musical fue algo tardía. Tenía ya 19 años cuando conoció a Schoenberg, momento a partir del cual se dedicaría exclusivamente a la creación sonora. En 1913 estrenó la primera de sus composiciones más innovadoras. Al principio, sus obras (como otras de sus propios profesores y compañeros) fueron mal recibidas, aunque el paso de los años ha hecho que fueran muy apreciadas. Desgraciadamente, murió antes de poder disfrutar del reconocimiento público que se merecía.

    PRINCIPALES OBRAS:

• Cinco canciones de Altenberg Op. 4 - 1913

• Tres piezas orquestales Op.6 - 1915

• Wozzeck (ópera)-1923

• Suite lírica (para cuarteto de cuerda) - 1926

• Lulu (ópera) - 1934

• Concierto para violín - 1935

1862 -1918 Francia

    Compositor francés que puso en marcha un nuevo concepto de la música, liberada de ciertas ataduras de la tonalidad. Su obra tiene tintes modernistas, simbolistas e influencias étnicas, en auge a finales del siglo pasado, aunque su obra suele unirse a la corriente del Impresionismo. Para él no se trata de transcribir la naturaleza por medio de la música, sino de evocarla.

    Era hijo de un tendero bastante pobre, que tuvo que confiar la educación de su hijo a una tía, quien consiguió que una alumna de Chopin (a quien Debussy dedicaría sus Preludios) le diese clases de música. Este autor influiría en su estilo, junto con Schumann, Wagner, Satie, Couperin y Rameau, entre otros.

    Debussy ejerció así mismo una influencia decisiva en su época y en las etapas posteriores, desde Ravel a los músicos más importantes del siglo XX.

    PRINCIPALES OBRAS:

• El hijo pródigo (cantata) - 1884

• Cuarteto en sol menor - 1893

• Preludio a la siesta de un fauno - 1894

• Pelleas et Melissande (ópera) - 1902

• El mar - 1905

• Rapsodia para saxo y orquesta - 1911

• El martirio de San Sebastián - 1911

• Doce preludios - 1912

• Sonata para viola, arpa y flauta - 1913

• Doce estudios - 1915

1892-1955 Suiza-Francia

    Aunque nació en Francia y residió siempre en París, este compositor se consideraba suizo, nacionalidad que poseía por sus padres, que eran unos comerciantes procedentes de Zurich. Estudió con el organista de El Havre y luego en el conservatorio de París, donde estudia con D'Indy y tiene como compañero de estudios a Milhaud.

    Junto a él y otros cuatro compositores jóvenes, se darían a conocer como "El grupo de los seis", muy unidos a los conceptos estéticos de Jean Cocteau. Durante la ocupación nazi se recluyó en su estudio, escribiendo música y actuando para la resistencia. Coqueteó con varios estilos, desde el politonalismo hasta el drama musical wagneriano, y cuando encontró el suyo, su vigor rítmico, armonías disonantes y lirismo le diferenciaron de las posturas estéticas de sus contemporáneos.

    Cocteau dijo que su música era similar a la artesanía de las catedrales y fábricas, alternando el mundo de las máquinas y la arquitectura gótica.

    PRINCIPALES OBRAS:

• El rey David (oratorio) - 1921

• Horacio victorioso (sinfonía mímica) - 1921

• Pacific 231 - 1923

• Concertino (piano) - 1924

• Judith (drama bíblico) - 1925

• Antígona (tragedia musical) - 1927

• Concierto para violonchelo y orquesta - 1929

• Primera sinfonía - 1930

• Juana de Arco en la hoguera - 1935

• Canto de liberación - 1944

1908-1992 Francia

    Compositor y organista francés de profundas creencias cristianas y vocación pedagógica, además de ornitólogo aficionado. En su música, tal y como explica él mismo en su libro Técnica de mi lenguaje musical, se entremezclan la fe cristiana, los ritos de los cantos devocionales, hindúes y el piar de los pájaros.

    Estudió en el mismo conservatorio de París donde enseñaría más tarde armonía, análisis y composición a la nueva generación de compositores de posguerra, incluidos Stockhausen, Boulez y Xenakis. Se le suele asociar al grupo denominado en 1936 "La jeune france" y que comprendía, a parte de a Messiaen, a Jolivet, Daniel-Lesur y Baudrier, y que pretendía una vuelta al humanismo universal y espiritual en la música. Messiaen evolucionó desde un estilo heredero de Debussy a las técnicas del serialismo integral, para acabar imponiendo un sello personal en sus obras.

    PRINCIPALES OBRAS:

• La Ascensión - 1933

• Cuarteto para el Fin de los Tiempos - 1940

• Tres pequeñas liturgias de la Presencia Divina - 1944

• Veinte miradas sobre el Niño Jesús - 1945

• Sinfonía Turangalida - 1948

• Modos de valores e intensidades - 1950

• Timbres-Duraciones - 1952

• Primer catálogo de pájaros - 1957

• San Francisco de Asís (ópera) - 1983

• La Ville en Haut - 1987

1875-1937 Francia

    Compositor francés en el que es importante la influencia española que deja patente en piezas como la "Rapsodia española", "La hora española" y, especialmente, en su inmortal y popularísimo "Bolero". Fue objeto de polémica por sus reiterados intentos de hacerse con el Prix de Rome y luego por plagiar supuestamente a Debussy en "Historias naturales". Pero su intelectualismo era opuesto a la sensualidad de aquél.

    Su primer maestro de música fue Ghys y después Charles-René, mientras que en el Conservatorio estudió con Fauré y junto al pianista español Ricardo Viñes. Al principio de su carrera estaba influido por Satie, pero pronto hallaría un estilo propio, aunque coincidiendo con otros compositores en la llamada Sociedad de los apaches, símbolo de la desobediencia artística, junto a Viñes, Délage, Schmitt, Roger-Ducasse, Falla y Stravinski.

    PRINCIPALES OBRAS:

• Pavana para una infanta difunta - 1899

• La hora española - 1907

• Mi madre la oca - 1908

• Daphnis et Chloé  - 1912

• La tumba de Couperin - 1918

• La Valse - 1920

• El niño y los sortilegios - 1925

• Bolero - 1928

• Concierto para la mano izquierda - 1931

1866-1925 Francia

    Compositor y pianista de cabaret francés, impulsor de un anti-impresionismo similar al que Cocteau encabeza en la literatura. Su estilo, cercano a los posteriores grupos de Los Seis y a la escuela de Arcueil, goza últimamente de gran estima entre los compositores minimalistas contemporáneos. Ya en los últimos años del siglo XIX, Satie utilizaba acordes sin resolución armónica y modismos de textura extremadamente sencilla y primitiva.

    Sus estudios los realiza con Niedermeyer y en el Conservatorio de París, para más tarde acudir a las clases de d'Indy y Roussel en la Schola Cantorum. Primero cultivó la amistad de Debussy, aunque más tarde se convierte en un símbolo de la oposición al estilo representado por éste y Ravel. Su vida transcurre en varios periodos, desde la música mística a la música de cabaret o la de sus años de gloria junto a Cocteau.

    PRINCIPALES OBRAS:

• Trois Gymnopédies (piano) - 1888

• Trois Gnossiennes (piano) - 1890

• Vejaciones (piano) - 1893

• Misa de los pobres - 1895

• Embriones disecados (piano) - 1913

• Penúltimos pensamientos (piano) - 1915

• Parade (ballet) - 1917

• Sócrates (cantata) - 1919

• Relache (ballet) - 1924

1874-1951 Austria-EE.UU.

    Compositor austríaco, inventor del dodecafonismo y maestro de compositores como Alban Berg y Anton von Webern, además de Krenek y Dallapiccola. Aunque recibió formación musical, decidió componer de forma autodidacta, completada luego con clases de contrapunto de Zemlinsky, con cuya hija se casaría más tarde.

    Pasó de un estilo impregnado de postromanticismo (que llega de Mahler a través de Zemlinsky) a abogar por un atonalismo que adquiere forma definitiva en el método de composición dodecafónica en 1923, considerado uno de los principales elementos del expresionismo. Más tarde, en su exilio americano, se vería enfrentado a los conceptos neoclásicos del Stravinski tardío, ejerciendo una notable influencia además en las posteriores generaciones de compositores norteamericanos y de postguerra.

    PRINCIPALES OBRAS:

• Noche transfigurada (orquesta de cuerdas) - 1899

• Sinfonía de cámara nº 1 - 1906

• La Espera (monodrama) - 1909

• Gurrelieder (para solistas, coro y orquesta) - 1911

• Pierrot Lunaire (melodrama con recitador y orquesta de cámara) - 1912

• Cinco piezas para piano - 1923

• Concierto para violín y orquesta - 1936

• Oda a Napoleón (recitador, piano y cuerdas) - 1942

• Tema y Variaciones (orquesta) - 1944

1928 Alemania

    Compositor alemán contemporáneo, considerado uno de los abanderados del serialismo integral, la experimentación electrónica y la vanguardia cosmopolita. En sus obras ha hecho uso de múltiples técnicas compositivas, desde música concreta (grabaciones de objetos reales transformados electrónicamente) hasta sonidos sintéticos, polirritmos, múltiples tempos simultáneos, serialismo total, notación gráfica, improvisación controlada y otras técnicas aleatorias.

    Tuvo una infancia marcada por la orfandad y luego por los estragos de la guerra, que le llevó a múltiples ocupaciones hasta poder consagrarse a la música. Aprendió a tocar el piano, el violín y el oboe. Estudió música con Neuhaus, Schroeder y Frank Martin, para luego hacerlo con Milhaud y Messiaen, y más tarde acusar la influencia de Webern. También ha desarrollado una carrera importante como pedagogo y director de su orquesta.

    PRINCIPALES OBRAS:

• Kreuzspiel (cámara) - 1951

• Kontrapunkte (cámara) - 1953

• El canto de los adolescentes (electrónica) - 1956

• Gruppen (orquesta) - 1957

• Zyklus (percusión) - 1959

• Telemusik (electrónica) - 1966

• Stimmung (seis voces) - 1968

• Hymnen (orquesta y cinta) - 1969

• Mantra (electrónica) - 1970

• Musik in Bauch (percusión) - 1975

• Sirius (ópera) - 1977

1882-1971 Rusia

    Compositor ruso, considerado una de las figuras más importantes de la música de principios de siglo XX. Su estilo evolucionó desde el folclorismo tradicionalista de sus primeras obras, al vanguardismo de sus ballets para Diaghilev, para después abordar la disonancia, la politonalidad y la poliritmia, seguir con el neoclasicismo de los años 30, e incluso coquetear con el serialismo al final de su vida.

    Su padre era cantante solista de La Ópera de San Petersburgo, despertando la afición de su hijo por el género y la tradición musical rusa. Decidió abandonar la carrera de Derecho para estudiar composición con Rimski-Korsakov. En uno de sus estrenos, conoce a Diaghilev, con quien colaboraría en la creación de sus ballets en París, suscitando fuertes emociones y disputas entre el público. Más tarde destacaría también en otros géneros, desde la sinfonía a la ópera o a la música de cámara.

    PRINCIPALES OBRAS:

• El pájaro de fuego (suite de ballet) - 1910

• Petruchka (suite de ballet) - 1911

• La consagración de la primavera (suite de ballet) - 1913

• Las bodas - 1918

• Edipo rey (ópera oratorio) - 1927

• Sinfonía de los salmos - 1930

• Juego de naipes (suite de ballet) - 1936

• Ebony Concert - 1945

• In Memoriam Dylan Thomas - 1954

• Requiem Canticles - 1966

1883-1945 Austria

    Compositor austríaco, seguidor de la escuela del dodecafonismo de Schoenberg y figura inspiradora del serialismo integral posterior a la Segunda Guerra Mundial. Su catálogo de obras es escaso, pero muy denso en planteamientos tonales. Su estilo es minimalista por el ahorro de elementos y la longitud reducida de sus obras, a veces, como en una de sus "Cinco piezas para orqeusta" Op. 10, de sólo siete compases y que dura 19 segundos.

    Se trata de una música difícil de oír y no muy frecuentada en los repertorios. Hay incluso quienes ven en sus ideas musicales las semillas para lo que posteriormente sería la música electrónica. Sus obras suponen también un desafío para sus intérpretes, por la complejidad de su escritura melódica y rítmica. Junto con su maestro Schoenberg y su compañero Berg es considerado uno de los mejores ejemplos del estilo dodecafónico y fuente de inspiración de muchas vanguardias posteriores.

    PRINCIPALES OBRAS:

• Passacaglia para orquesta Op.1 - 1908

• Seis Bagatelas para cuarteto de arco Op.9 - 1913

• Cuatro canciones para acompañamiento de trace instrumentos Op.13 - 1918

• Cinco cánones para voz y dos clarinetes Op.16 - 1924

• Trío de cuerdas Op. 20 - 1927

• Sinfonía Op.21 - 1928

• Das Augenlich Op.26 (coro y orquesta) - 1935

• Variaciones para piano Op.27 - 1936

• Cuarteto de cuerdas Op.28 - 1938

• Variaciones para orquesta Op. 30 - 1940

El War Requiem es una obra única. Te dejo un texto que es muy importante leerselo para entender la obra. Para ello, lee PDF que se llama WarRequiem_Britten y pon atención a todos los contenidos sobre la creación de la obra, contexto, estructura musical, el libreto, textos...

En el aula vamos a trabajar  los textos del DIES IRAE con una audición ; para ello descarga el PDF  que se llama WarRequiem_LIBRETO e imprime las páginas 2, 3 y 4. De esta manera tendrás los textos que se cantan en inglés y podrás así escuchar en profundidad la audición.